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“不看对白,只看数字”——回忆香港电影的日日夜夜 • Part 1

“数字小姐”多指不背台词,演戏时只看数字,完全靠后期配音的不专业、不专业的女演员。此前,一向以尖刻恶毒着称的金星在节目中批评了一位“数字小姐”。》。----百度百科

相信这个话题已经不是热门话题了,但还是经常看到各大内容平台的冷热帖。另外,经常看到很多网友在这个热门话题发酵后调侃演技似乎很差的“新鲜人”。肉”演员。

我也对“数字小姐”的不专业行为嗤之以鼻,但评论它没有意义。只有这个“旧闻”让我想起了“不读对白,只读数字”时代的精彩港片:

“比如很多导演,比如功夫大师刘家良,拍电影的时候,就是让演员念数字,然后加上对白。”

——大卫·博德威尔专访陈家尚导演。

同样是“不看对话,只看数字”,前面的“数字小姐”可耻可悲,后面提到的轶事是一个行业的荣耀?

你这是什么意思?

上面引用的刘家良导演的这则轶事与《数字小姐》的区别在于,当时刘家良等导演拍这部电影,要求演员“不看对白,只看数字”,因为没有拍摄时完成剧本。,不是没有台词而是不会背台词!

打个比方,前者“不看对话,只看数字”是指卑贱的女人有饭不做饭;后者“不读对白,只读数字”是聪明的女人不仅可以不用米饭做饭,而且每次都换花样。服务。这不是很神奇吗?而当时的“聪明女人”不仅仅是刘家良导演,几乎整个香港电影界都在用这种模式拍片。

你惊喜吗?李小龙也是!

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对于这样的拍摄模式,就连曾说“不可能是法则,无限是极限”的李小龙,在回港拍摄时都被惊呆了。早年李小龙回港准备拍摄《唐山兄弟》时,因拿不到好莱坞常用的剧本而非常着急,甚至生气,随后在第二部电影《精武门》与导演罗伟合作,这是我们请来了当时著名的香港作家倪匡担任编剧。(顺便说一句,“陈真”这个角色也是倪匡接到剧本邀请后发明的。)

没错,你过去看过的很多精彩的电影,很可能都是用这种方式“神奇”地制作出来的。比如《赌神》,

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王晶在专访中透露,自己在拍戏的时候写了这部电影,而周润发正在化妆,他在旁边写了剧情,然后直接开拍了。而《赌神》的故事只是因为他看到了好莱坞电影《雨人》中达斯汀霍夫曼主演的自闭症兄弟在拉斯维加斯赌钱的几场戏和萌芽的故事概念。

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正是这个转动戒指的小动作,让王晶想到了赌神的全貌

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为什么连剧本都没有就想拍电影?答案是——等不及了!

电影开播后,每一秒都是金钱,当时的香港电影人根本没时间等剧本!早期港片的制作能力惊人,销售非常成功。本地和本地的需求量都非常大,供应几乎是供不应求的。可以说货物是轮换的,所以有很多电影。此外,许多投资者拍电影是为了赚快钱。香港电影基本上是寻求商业利益的娱乐电影。因此,电影的整个格式是匆忙制作的。所有电影制作人都尽其所能确保及时交付。效率至上的香港,自然不讲繁文缛节和理论套路,而是力求省时、省人、省流程。任务完成。

导演连剧本都等不及的紧迫性是什么?

小地方,惊人的生产能力!

从 1960 年代到新千年,香港是亚洲电影制作最多的地区之一。全年电影制作量仅与日本持平,年总制作量甚至超过好莱坞。产量达到235部,即使在动荡的1970年代,也从未低于年产量100部。1993年,香港电影业最繁荣的时候,产量是250部。看起来可能并不多与日本相当,但需要注意的是,当时日本的人口是香港的20倍。

(2017年香港电影的总产量去年才60部,真是尴尬。)在片子质量方面,虽然我今天回去看看,但似乎1950年代和1960年代的香港电影都是太“老太早”不能咀嚼。然而到了 1970 年代,随着俗气功夫片走下坡路,制片方转向西方制作标准,港片也逐渐完善了包装,尤其是新浪潮导演的出现(徐克、许鞍华、陈可欣等)。 ) 画面的出现和主题的内容与好莱坞有长有短的飞跃。

产能高但供不应求的美好时代

1960年至1995年间,香港电影的产量很高,但仍然供不应求。需求从何而来?

对许多人来说是原生的

1959年,香港人口约350万人,平均每年看电影22次。1967年达到年人均27人。这个数字是当时美国的两倍。虽然后期电视机的普及使这个数字有所下降,但总的来说,在 1970 年代和 1980 年代,香港的年人均电影收视率远远领先于其他地区。而这个数字是在香港人每周工作 6 天、每天工作 8-12 小时时创造的。可见香港人有多爱看电影。

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印第安纳琼斯海报

彼时,虽然西方电影已经在香港引进,但票房完全由港产片主导,很多在全球票房火爆的电影甚至连香港票房都算不上. 席卷全球票房的好莱坞大片《夺宝奇兵》(1981年)在香港输给了《惊魂记》、《武林十八式》、《激怒》。在香港仅排名第16位。

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谁陷害了兔子罗杰海报

而《谁陷害了兔子罗杰》(港译——《梦之城兔吉星》),制作成本高达7000万美元,获得无数奥斯卡等奖项的大片也只有王晶的《赌神》 “在香港票房。三分之一。

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辐射范围广

香港将本地制作的影视歌曲卖给其他国家发行和销售,称为“卖港”。在 1970 年代和 1980 年代,香港电影是亚太地区最成功的地区电影。一位风险投资家的老师曾说过,“如果电影能在香港上映,那我们的投资机会会很大,因为香港可以更有效地辐射其他东南亚国家的市场。” 香港早期是海外华人移民。在中台,很多生活在亚太地区的移民家庭,基本都扎根于香港。此外,该地区许多国家尚未发展影视综艺产业。香港本来就是一个受殖民西化影响的移民城市,所以拍出来的电影其实是很合拍的。来自世界各地的华人,在具有这种特殊地域特色的电影中,都能找到某种民族性和凝聚力。因此,香港电影具有很大的意识形态融合优势。

另外,港片虽然以粤语为主,但早就配备了中英文字幕,已经奠定了过海的基础。随着后来的配音和翻译,粤语变成了普通话。中文、粤语、英文三种选择,三种语言任你选择。从意识形态到语言,香港已成为东亚最大的电影出口目的地。其中,主要出口至马来西亚、新加坡、泰国、后来加入的韩国和最大的重点买家台湾。

当时台湾政府的政策是扶持杨威国际本土的“新浪潮”导演电影 仪式,但侯孝贤、杨德昌等导演的片子,语气悠闲,节奏缓慢,暗示说教,需要观众去思考。如此简单、艺术的电影并不受台湾人欢迎,1980年代的台湾观众更喜欢看香港电影。当时,台湾当局将香港电影视为“国民电影”,没有配额限制,拒绝好莱坞电影。于是,不少台湾发行商为了分一杯羹,纷纷弃用本土电影,重金投资港片。

“1990年代初”,每年在台湾上映的港片多达130部至200部,甚至让台湾电影业几乎完全停滞。1988年,台湾本土电影约有190部上映,到1994年只剩下18部。"

投资者的快速成功:

由于本地观众众多,辐射面广,长期以来,在香港投资电影基本上是一门稳操胜券的生意。即使票房失败,你也可以通过录像带和电视转播权等渠道赚钱。因此,投资电影成为了许多想洗钱的富商和黑帮的不错选择。

综上所述,1970、1990年代的香港电影在亚洲市场可以说是供不应求。很多导演和演员都有很多预约,早上可能还在拍一部,下午就已经在赶着拍一部了。因此,香港电影的制作节奏非常快。多久?几乎是时候在剧本之前拍摄了。这里的无剧本不同于王家卫的艺人任性用剧本,真的没有时间等剧本。

随着速度的提高,电影的质量会下降吗?是好钱吗?

怎么会有这么好的钱!

除了面临票房和投资人的压力,香港电影人也面临着观众的压力。这是关于始于 1970 年代的香港特有的电影仪式:

午夜放映

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《精装兄弟姐妹》

这是文化对话中最有趣的现象。每周周五或周六,十多家影院将在11:30左右同时安排新片放映仪式。一是宣传电影,二是直接接受观众对电影的反馈。电影制作团队可以在电影正式上映前对电影进行最后的剪辑和剪辑。这也引来了多年后回忆同一部电影的朋友。,会有不同的版本。

“好吧,假设有 40 家影院正在放映你的电影,你将派一名司机用专业设备将剪辑师从一个影院带到另一个影院,在往返这些影院的路上。让我们结束编辑。这对我们来说很常见。” - 徐克

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而香港深夜秀的观众,也没有“豆瓣”那些只给你打分,写几句评论的“影评人”友好。相反,当他们看到他们喜欢的东西时,他们会鼓掌,当他们不喜欢它时,他们会立即鼓掌。因为半夜上映的时候导演和制片人也会在现场看观众的反应,而观众也知道这一点,所以看到火的时候会直接喊,“导演是谁?给我出来。” !” “导演是谁?” 编剧,把这个米桶给我找出来。”甚至还出现过挡住导演的事件。

面对这样一个彻头彻尾的无情观众,导演自然是战战兢兢,否则真的是性名声望的问题。这种独特的电影文化也得到了很多导演的锤炼。事实上,他们在拍摄过程中的很多决定,都会弥补观众看到这样的画面和情节时的反应。这实际上让电影创作者在一定程度上能够与自己的作品高度脱节,更加客观地看待自己的作品。. 此外,不难发现,1970年代所有香港电影的剪辑速度都非常快,剧情推进也非常快。只有画面和剧情的不断进步,才能保持观众的注意力。虽然很多电影在审美情趣日新月异的现代人眼中,都是粗制滥造的,

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《倩女幽魂》结尾的十分钟文学剧

“《倩女幽魂》在最后一场决斗前有十分钟左右的文艺表演,在电影上映前,我们非常认真地讨论过如果观众不看好结局会发生什么。

程晓东问我怎么办,我说:“先把这部分留着,再看看怎么样,如果观众真的讨厌这个结局,我们可以跑掉。” 最后,我们保持了结局。但有时我们会感到紧张,所以我们编辑得很快。”——徐克巧夫是如何做粳米的?比高概念“高”的创意模式——“飞天纸童”

那时候拍港片的时间来不及等编剧写剧本!许多导演不等剧本出来就开始拍摄。根本没有剧本,最多只有一个大纲的时候,他们就拍完了,有的甚至边拍边写。在这样的大环境下,那个时代出现的港片,逻辑和叙事风格混杂,但也有不少优秀的作品。也正是在这样的拍摄体制下,磨练了很多后来具有浓厚电影风格的伟大导演。现在有熟悉无剧本拍戏的“王家卫”和“致奇峰”,而周星驰也是比较擅长根据拍摄状态随时调整拍摄内容的导演。那个时候,基本上所有的香港导演都是以一个不太成熟的导演为基础的。剧本是创作出来的,而这种创作模式其实比好莱坞现在所说的“高概念”概念还要高。

什么是高概念?

其实,High Concept是基于对电影市场的分析,总结出如何拓展电影市场,实现票房利润,保证投资项目的利润,满足拍片的营销策略。

然后我说香港电影导演比好莱坞的高概念,高在哪里?

好莱坞高概念电影(high concept)的基本定义:

“高概念电影必须由著名导演或主演,甚至两者兼而有之;其次,高概念电影的故事情节比较简单,可以用一句话概括;第三,高概念电影应该能够与流行文艺作品形成“互文性”关系,即衍生出某种原创知名载体的新电影作品,如常见的小说改编电影、漫画改编电影、续集电影等。” - 百度百科

看过一定数量的港片的人很容易发现,以上三部高概念电影的特点,其实是港片唯一被勒令遵守的拍片规则。

第一个,简而言之,就是卖演员表。星光熠熠的电影众多,如:《五福星》系列、《合家欢》系列、《阿飞正传》、《东方与西方》等;第三项,IP电影化,我们还记忆犹新:《风暴》、《龙虎门》、《中华英雄》,还有《飞狐故事》、《笑傲江湖》、《鹿鼎记》等系列还有数不清的电影武侠小说;至于第二条,简直就是一个“一句话就能形容的简单故事”,这就是我们今天要讨论的内容,好莱坞要围绕这句话做一个详细的说明,但是在港片中,导演不需要剧本,只要头脑记住这句话。然后简单地写一个杂记或草拟一个大纲,你就可以拍摄了。我试着回忆和总结《警察故事》:一个警察和一个坏人斗智斗勇到死的故事;《赌神》:赌王取回记忆杀敌的故事,《肉泡》:男人借小壁虎大尾巴后,悟出妓女妻女的故事(你看完才明白)……其实就是一个简单的故事,一句话就能概括。以上三点在香港电影中都做到了,而且很多都是同时做到的。也就是说,高概念的意识早已在香港电影人的心中根深蒂固,但如果他们不把理论和理论进行比较,那么每个人都对此一无所知,也不在乎。港片比“高概念”高的地方在于剧本的疏漏。对于很多香港导演来说,剧本就是他们的经验和直觉。

有没有成熟剧本的异同都体现在电影制作过程中

香港电影创作过程与好莱坞的区别:

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好莱坞:鸡与蛋

好莱坞制作的流程计划通常是先购买剧本。从一个经纪人循环剧本开始电影 仪式,剧本成为整个集团的核心,包括对剧本感兴趣的制片人、导演、影星等。大公司根据这些人的意图决定是否投资剧本,然后编剧再改剧本。在改写过程中,往往将一名编剧交由另一名编剧进行改写,直至剧本为决策者改写或修改。满意正式开拍。通常购买的十个剧本中只有一个可以拍成电影,而且要经过多年的准备和拍摄,才能出现在大银幕上。

香港:先有蛋,后有鸡

在香港,这个过程要简单得多。一般是先从导演的一个想法开始,然后聘请编剧写大纲,或者不完整的没有台词的剧本,然后和有兴趣的投资人会面洽谈,投资人有兴趣就可以开拍了。而一些有票房保障的大导演,比如徐克、洪金宝、王晶等,拍摄经费也不成问题。他们与永盛、嘉禾等大公司签订了长期合作合同,每年都要提供一定的金额。工作。因此,他们只需要提交拍摄计划即可开始。

所以好莱坞需要比较长的时间去琢磨剧本,而且剧本大多是编剧独立创作的,也就是说整个故事其实是一个人打造的。香港电影早期的拍摄方式是集体创作和头脑风暴。一旦资金到位,导演会和几位编剧开会,展开集体头脑风暴,就场景氛围、剧情内容、人物定位等发表意见,一人做笔记。然后有一个编剧负责把代码编成剧本初稿前后的几次会议要领。这部电影可能很吓人。这种创作模式经过新一城几位著名导演的小幅改进,

当时很多创作者觉得不需要完整详细的剧本。因此,当时的大部分电影在开拍时都只有一个故事大纲。即使有剧本,也通常是没有完整对话的初稿。在受孕中。拍戏时加“肉”是常事。这其实是对导演结构电影能力的考验。就像只说数字,后面加对话的方式,你脑子里一定要有整个故事的节奏和方向。另外,在安排演员念号的时候,导演其实心里有个粗略的对话,然后引导演员的情绪,甚至表现出演员对自己想要表达的东西的诠释。(曾志伟是导演和演戏的典范。他早期是一名导演。当他指导演员演戏的时候,大家都觉得他比演员好,于是他开始走到银幕前)。另外,如果不能靠对白,导演的镜头声音自然要足够好,才能用画面完成叙事。杜奇峰是个好球员。他后来的许多电影都很少有对话。人物通过画面的切换,以及人物舞台感的位置来表现。他后来的许多电影都很少有对话。人物通过画面的切换,以及人物舞台感的位置来表现。他后来的许多电影都很少有对话。人物通过画面的切换,以及人物舞台感的位置来表现。

黄秋生、吴镇宇、林雪、张耀扬等拍完杜奇峰的《枪火》,基本就爆发了这么一句话:“不知道他拍的是什么?最后,《枪火》”非常出色。出色的工作意图。

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《枪火》致奇峰利用好角色位置充满舞台感

然而,这种创作模式并不安全,因为它太“高”,太危险了。先说一下这种创意模式的优缺点: 优点:

1.速度

对于一部中型好莱坞电影来说,从开拍到拍完大约需要80到100天,每天需要10个小时拍摄,而且经常需要加班完成。香港早期的一部中型电影,从开拍到拍完,只用了20到30天。大生产只有40天。平均两周的小成本。连拍摄都在一周内完成。拍摄时间很短,但有很多作品给观众留下了深刻的印象,比如:

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《射雕英雄传》(英文:The Eagle Shooting Heroes)于1993年上映,由王家卫监制,刘俊伟导演。该片的原因是《东邪西渡》的拍摄超出预算,超出了预定的制作时间(主要是王家卫烧了这么多钱拍《东邪西渡》是亏本生意)赞助商、原班人马参与了拍摄。影片拍摄时已接近年底,因此计划以搞笑贺岁片的形式制作,票房2200万港元。仅用了 27 天就拍摄完成。此外,根据陈小春在一档节目中的爆料,《古惑仔》的拍摄只用了7天就完成了。

2. 想象力

这种创作模式,让当时的香港电影成为最有喜剧色彩的地方片。对于当时的观众脾胃而言,故事的结构是否紧密,合乎逻辑与否,都不是最重要的。更重要的是,“精彩的剧情”、“抢眼的噱头”、“精彩的武侠”,电影创作者在这些方面都下足了功夫,所以剧情的延续性和对白是次要的。这就是为什么香港电影那个年代的奇葩电影很多,而这些想象力天马行空的奇幻电影甚至被很多邪教影迷称为经典,比如《赤裸的羔羊》、《刀》、《超校霸王》等等。

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《赤裸的羔羊》海报与《本能》和《沉默的羔羊》名字相呼应

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徐克《刀》,强烈的反浪漫作品

3. 可能性。

缺乏详细的剧本,实际上在一定程度上让制作团队一片空白。拍摄过程中,故事情节因地制宜调整。在拍摄过程中,整个故事可能会因为团队中有人想到的一个闪光而发生转折。因此,有许多峰值突出的情节变化。

缺点:

1. 编辑之一

剧本欠缺润色,导演融合。故事的讲述完全取决于导演的结构和叙事能力。一旦导演能力不足,整部电影就很容易崩溃。比如《黑豹》,世界观很有趣,人物也很精彩,但是导演于光荣是个演员而不是一个好导演,所以故事是在各个地方讲的。这部电影虽然也有邪教片的潜质,但因为导演的阻挠,成了烂片中的烂片。

2.照顾一件事,失去另一件事

这种创作模式风险很大。分工不明确,越界起泡的情况时有发生。许多缺乏经验的电影制作人总是只顾一件事而失去另一件事。集体创作的过程总是喋喋不休,思维混乱。拍摄时,经常会出现一个人失去另一个人的情况。世界观很好,但是人物设定很呆板;人物设定很饱满,剧情缺乏张力;剧情丰富有张力,叙事方式过于老套;叙事方式很新颖,但故事的最后却忘记了主题……以上这些,仔细看片子就能看出来。

3.不利的继承

这种创作模式其实很有天赋。灵感无法传承,灵感也有瓶颈。好莱坞编剧可以总结出一套行之有效的编剧理论,提炼到节奏图、人物曲线、故事曲线等,就算脑子不够用,也能编出理论。即便是普通的好莱坞剧本,也能看到编剧理论的痕迹。然而,很多香港电影的编剧都是靠天才的灵感和亲身经历来写剧本的。也就是说,如果你是新人,要么是天才,要么只能学习西方的编剧理论,然后尝试去实践。.

结论:

就是在这种创作模式下。这段时间香港拍了很多电影,好的很好,坏的也很烂。其实,好与不好,取决于决策者的才华和自己乃至团队的想象力。如此开放的创作模式造就了许多天才,但这种不严谨的创作模式,也让许多有良心的电影人在时代潮流的冲刷下黯然离场。

“不看对话,只看数字”是香港电影业蓬勃发展、百家争鸣的标志,也是未来行业优胜劣汰的伏笔。

市场总是极其残酷的。风平浪静,水自然涨,轻舟可渡千山。但一旦到了怒海,风起云涌,雨倾覆,水能载舟覆舟。到底有多少人能“笑在海里”?而真正上乘的剑术,是“手中无剑,心中有剑”,但谁没有两次握过剑,又怎能说“心中有剑”呢?的确,你练剑多年,但走在江湖上,要多少次死里逃生,才能真正达到“心中有剑”的境界 ? 江湖上,到底还有多少人拥有这个境界?正如黄战在歌词中所写的那样,“谁赢谁输,天知道”!

时代辉煌,格局混乱。纵使乱世有英雄,千里必选英雄。今天,他们将成功。过去的骨头都枯萎了。